巴哈無伴奏大提琴組曲(中) 賴偉峰

  哈六首無伴奏組曲,每一首由六段古代舞曲組成,分別是第一曲前奏曲、第二曲阿勒曼舞曲、第三曲庫朗舞曲、第四曲薩拉邦德舞曲、第五曲沒有固定(第一、二號為小步舞曲,第三、四號為布雷舞曲,第五、六號為嘉禾舞曲)、第六曲吉格舞曲。

版本比較

從手邊這些版本演出,綜合出一個此曲演出要成功的四字箴言「三性兩味」,三性是人性、時代性、個性,兩味則是原味、品味。整套巴哈無伴奏大提琴組曲演奏長度將近兩個半小時,如果想要一次聽完演奏者就必須讓音樂發出「人性」,太過機械化、精準如練習曲的演出反而適得其反,讓人昏昏欲睡。如何讓兩、三百年前的曲子具有現代意義,讓這些「古董音樂」能與現代人的心靈共鳴,對演奏者來說更事件重要事,因此樂曲的「時代性」必須靠演奏者的體認給予發揮。演奏者如何以單一樂器的貧乏聲音讓聽者留下深刻印象,進而想一聽再聽得到啟發,「個性」鮮明演出絕對是必要的。

而這套巴哈最重要的大提琴器樂經典,由於並沒有標示速度記號,因此在樂譜考據與演出詮釋上的確有頗大的想像空間。但是,如果因為此種原因,演奏者就不探究思索如何忠於原作,因而過度詮釋地扭曲了作品「原味」,這樣的演奏者只能稱為大提琴「匠」。從越簡單的表現,就越能看出一位演奏者的「品味」,自信不足的演出往往誇大矯飾令人產生膩感,毫無此曲該有的精緻高雅的況味。演出者文化素養的整體表現,透過這首作品如照妖鏡般的測試,總是清晰可判。

一張錄音,如果演出者的詮釋風格做到「三性兩味」,絕對能稱得上絕世名演,如果再加上錄音效果真實自然那就更好了。

不動如山的卡薩爾斯

卡薩爾斯(Pablo Casals,1876-1973)這位西班牙大提琴家,雖然是十九世紀大提前演奏的遺續,但他更是讓二十世紀人們對大提琴全然改觀的重要人物,他讓大提琴的演奏觀念大幅改革。大提琴家Marcll Dupre說:「事實上,大提琴是從卡薩爾斯開始的。」精確一點的說,他強化了大提琴演奏的自由性,強調右手肘部的自由活動,左手手指的的自然指法,從事大提琴演奏技巧改革時,當時他才十二歲。

卡薩爾斯似乎天生就與大提琴有深厚的緣份,他十二歲開始學大提琴,十四歲在阿爾班尼士的鼓勵下在巴塞隆納首度登台,他的音樂教育在馬德里完成,後來曾進入法國劇院館弦樂團擔任大提琴手,1897年開始獨奏家生涯。雖然,卡薩爾斯也指揮、同時與柯爾托、提博等人組成三重奏,但世人對他的注意力幾乎完全集中在他這張唱片上(當然,我還推薦他與塞爾的德弗札克大提琴協奏曲),只因為他與巴哈無伴奏大提琴組曲的「親密關係」。

當他十三歲時,無意間在一間舊書店發現此曲的樂譜,年紀輕輕的他馬上發現此曲非凡之處,經過埋頭苦練十二年之後,卡薩爾斯才公開演出它。而此曲大大震撼樂壇,被譽為繼孟德爾頌之後,第二次的巴哈復興運動。而當1936年他在EMI灌錄這套作品時,他已經琢磨達半個世紀之久了。他偏愛克雷蒙納製琴師艾瑪德俄葛夫利拉所做的琴,一種充滿男性化黏性的厚重聲音。

關於卡薩爾斯此版錄音,實在不是個人論斷其好壞就算數的,我們必須思考此版「不動如山」地成為名盤的三大原因:第一歷史因素。卡薩爾斯這次錄音是目前我們可以聽到此曲的最早錄音,從事件發生的時點上,此版佔了絕對的天時。第二對作品的深厚情感。在過去,巴哈無伴奏大提琴組曲的地位與一般練習曲沒有兩樣,除了貝克對它有較多關注之外,很少有人將目光放在上面。獨具慧眼的卡薩爾斯,讓這首作品獲得新生命的詮釋,使練習曲昇華為藝術品,琢磨多時與作品產生深厚感情,為主要因素。第三多項唱片大獎加身。這個錄音我所知道所過得的唱片獎,就包括法國金音叉歷史錄音、EMI百大、MONO百大、、留聲機百大、Classic CD百大、日本唱片藝術名曲名盤三百首選。

基於這三點原因,此版幾乎可說是「前無古人,後無來者」,雖然以現代演奏技術的觀點來看,卡薩爾斯的「技巧性」不一定比較傑出,但是他充滿人性與歌唱性的表現依然難以超越,整體詮釋像位老練得道毫無火氣的道長,舞曲形式、速度、表情對無法束縛他的演奏,他以十分篤定的心情詮釋著。本版CD原本為Referenc系列,當EMI百年時作了封面小改。聽這首作品不聽卡薩爾斯版,幾乎是不可能的事情。但是,難道我們都不用買別的版嗎?其他版都一無是處嗎?絕對不然,我們還是要瞭解一下其他名家的演出。

法系傳統

接下來我們來看看具有優良傳統的法國大提琴家的表現,除了前輩Maurice Marechal外,納瓦拉(Andre Navarra,1911-1988)、傅尼葉(Pierre Fournier,1906-1986)、托特里耶(Paul Tortelier,1914-1990)、詹德隆(Maurice Gendron,1920-1990)可以說是法國大提琴界的四大天王。不過,納瓦拉與詹德隆的版本我手邊並沒有,因此略去。

先來看傅尼葉,這位患有小兒麻痺的音樂家,人稱「貴族大提琴家」。1948年首度到美國巡迴,同年浦朗克提獻大提琴奏鳴曲給他,Frank Martin也提獻大提琴協奏曲(1967年首演)給他,1970年定居瑞士,他曾與許納貝爾、巴克豪斯進行室內樂合奏。他與托特里耶才相差八歲,兩個人彼此欣賞對方形成良性競爭,傅尼葉希望擁有托特里耶左手的技巧,托特里耶卻反而羨慕傅尼葉的右手弓法。

他對巴哈無伴奏大提琴曲的詮釋相當有定見,反對機械毫無生命地枯燥演奏,因此雖然他不能算是具有強烈個性有大提琴家,但是在高貴溫暖的音色之下,傅尼葉的巴哈無伴奏透露出與卡薩爾斯截然不同的風味。傅尼葉注重歌唱性、與細節的處理,情緒誠懇語句平易,是充滿人性且高度自覺的演出。過去CD由DG發行,不過在大花版卻回到Archiv。

托特里耶同時也是鋼琴家、作曲家,出身巴黎貧民窟,16歲以第一獎畢業於巴黎音樂院,17歲時在巴黎首演。1935-37年擔任蒙地卡羅交響樂團一員,1937-39年則在波士頓交響樂團,之後回到巴黎。也曾到以色列一年,寫下以色列交響曲。他的學生有杜普蕾、Maud Martin(妻子),他與小提琴家、指揮家兒子Y.P.托特里耶、女兒Maria de la Pau組過三重奏。

托特里耶曾在卡薩爾斯第一次到巴黎時,在他面前演奏受教,兩人不僅情誼深厚,他更受到卡薩爾斯詮釋此曲的極大影響。對於推廣音樂不遺餘力的托特里耶,雖然兼具嚴肅與幽默的音樂家在面對音樂時卻異常謙卑,他的詮釋是「品味」的最佳代表。這位人道主義者,除了求教卡薩爾斯的機緣外,更對藝術與文學有濃厚興趣以及極高的素養,他最鍾情於羅丹的理念。

托特里耶的演出相當富有張力,他有著優異的左手把位移動與精準按弦,同一組曲各舞曲間的性格區分相當鮮明,精神奕奕的拉奏足以當成此曲演奏的範本,相當適合想演出此曲的大提琴學生參考。比較傅尼葉與托特里耶兩人的詮釋,前者高雅陰柔充滿歌唱性,後者中性偏剛硬性格鮮明,雖同為法系大師去有著迥異的處理方式。

與美國產生關係

雖然馬友友(Yo-Yo Ma,1955-)出生在法國巴黎,但實際上他的音樂是在美國受到完整訓練的,父親馬孝駿為當時大陸第一批(同期還有作曲家張昊)旅法的公費留學生(交換學生),母親是香港的歌唱家。後來在美國拜入茱麗亞音樂院羅斯(Leonard Rose,1918-1984)的門下,哈瑞爾(Lynn Harrell,1944)為其同門師兄。他曾在卡薩爾斯九十歲時有了與他會面的機會,感受到他強烈的生命感染力,而受到很大影響。

因此這位古典音樂的超人氣偶像,從LP時代第一張在Lyrita的錄音開始,每一張唱片都讓人驚豔,他對自己的音樂充滿了信心,在傳統的曲子到他手中總會被演奏出新意,他不斷超越自己,不願意模仿過去的自己。不僅如此,包容性極強的視野讓他相當樂於接觸新趨勢、新作法,因此影像製作、跨界音樂只要有趣他都願意嘗試,不讓自己對音樂的觀點定型僵化。因此以「個性」來說,早熟的馬友友似乎總是大膽卻深思熟慮地,踏出他的每一步。另外,近來他更致力於讓巴洛克音樂與現代人產生共鳴、對話,因此不僅重新灌錄巴哈六首無伴奏大提琴組曲,還與新銳導演合作拍攝六段藝術性強的影片,此外將大提琴尾柱去掉(仿古)並推出巴洛克選集。

他的新舊兩版錄音都在SONY,時間至少相差十年以上。舊版兼容了典雅精緻與活力熱情,就像他的招牌笑容般燦爛、平易近人,為「個性」表演做出最好註解,優異飽滿的錄音更讓本片獲得劉顧問推薦。而新版詮釋更為鮮明大膽,配合上六段影片為此曲寫下另一詮釋里程,他希望透過這樣的創意嘗試,能讓這首曲子產生新的「時代性」,因此獲得葛萊美獎。但是對於買CD的人來說,畫面就必須靠自己想像了。

克許鮑姆(Ralph Kirshbaum,1946)也是美國大提琴家,但是他卻在1971年開始住在倫敦,在英國發展他的演奏事業。灌錄有艾爾加、華爾頓的大提琴協奏曲,並曾與小提琴家Pauk、鋼琴家Frankl成立三重奏。克許鮑姆所使用的是1729年的Domenico Montagnana琴,他的琴音有絕佳的共鳴感,詮釋充滿著細膩表情,並非狂野的個性化演出但卻是平衡感極佳的超品味表現,只要您久聽此版自然會認同當時在巴洛克時期,這首曲子就該這樣演奏吧!因此「原味」十足,不添加太多有礙健康的化學物質。(待續,由於本期稿擠「名曲漫談」巴哈無伴奏大提琴組曲將於下期登完。)

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